Nacido
el 26 de julio de 1963 Andy Timmons es un guitarrista estadounidense que ha
tocado en bandas como Danger Danger y Pawn Kings. Ha
grabado varios álbumes como solista y ha trabajado como guitarrista de sesión.
Como
guitarrista de la banda de pop-metal Danger Danger, recorrió el mundo abriendo
para Kiss y Alice Cooper, vendió más de un millón de discos en todo el mundo y
tuvo dos videos en el # 1 de MTV, además de acumular una discografía que
incluye siete lanzamientos en solitario que van desde ardientes instrumentales
de guitarra.
También
se destaca por su colaboración en estudio con una leyenda de la batería como Simon Phillips o un CD en vivo con Olivia Newton-John (Andy
ha sido su director musical/guitarrista en varias giras por U.S.), dos
internacionalmente aclamados CD por Kip Winger, sesiones de grabación
para Paula Abdul, Paul Stanley, y una
incontable cantidad de composiciones para radio y televisión.
También
ha tocado con héroes de la guitarra como Steve
Vai y Joe Satriani (como invitado en sus giras G3 en
Dallas), Eric Johnson, Steve
Morse, Mike Stern, Ace Frehley, Ted Nugent. Paul Gilbert y Pierre
Bensusan así como con algunas de sus estrellas
favoritas de 1960 cantando con the Beach Boys, Lesley Gore y Gordon Waller.
La
decisión de dedicarse a la escena del estudio lo llevó a los ámbitos académicos
musicales más serios. Así estudió guitarra clásica durante dos años antes de mudarse
a Miami para profundizar guitarra de jazz en la Universidad de Miami (en gran
parte porque los Dixie Dregs, Pat Metheny y Jaco Pastorius habían ido allí).
Finalmente terminó en Dallas, donde fue muy afortunado de poner un pie en la
puerta de una muy buena escena de estudio. En 1988, se formó la banda de Andy
Timmons y rápidamente ganó seguidores en Texas.
Alrededor
de ese tiempo, los artistas de grabación de Epic Danger Danger lo reclutaron
para terminar su disco debut, filmar varios videos y comenzar una gira. Después
de 4 años en Nueva York con Danger Danger, Andy regresó a Dallas en 1993 para
reanudar su carrera de estudio y la del grupo Andy Timmons Band. Su primer
lanzamiento en solitario, Ear X-tacy, fue lanzado en 1994 con gran éxito de
crítica, seguido de Ear X-tacy 2 de 1997.
Luego lanzó Pawn Kings (1997), Orange Swirl (1998),
The Spoken and the Unspoken (1999) y And-thology 1 & 2 (2000).
En
2001 Andy firmó con Favored Nations y lanzó su primer disco internacional, That
Was Then, This is Now, una complicación de los dos primeros discos de X-tacy y
cinco nuevas canciones. Resolution (2006) marca el primer lanzamiento completo
de Andy para Favored Nations.
También
se ha convertido un importante referente del instrumento brindando clínicas
sobre guitarra para la marca Ibanez Guitars, recorriendo el mundo en su nombre.
Sin
duda, la banda irlandesa Thin Lizzy es una de las más importante de los años 70
y por extensión de la historia, y Lynott uno de los mejores compositores que ha
existido con textos originados por una rebeldía nutrida en las calles
dublinesas y de una sensibilidad poética de base romántica que le distancia
mucho, y para bien, de la mayoría de sus colegas.
Autenticidad,
acordes contundentes, estribillos-himno, extraordinarios riffs, intensos
ritmos, sentido melódico, notorios solos y estupendas letras conforman algunas
de las particularidades de este fenomenal grupo liderado por Phil Lynott, uno
de los más subestimados talentos aparecidos en este, por lo general,
artificioso mundillo musical con influencias de la Jimi
Hendrix Experience, Led
Zeppelin, Cream o Van
Morrison.
Phil,
nacido el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Birmingham (Inglaterra), era
hijo de un brasileño negro llamado Cecil Parris y de una irlandesa blanca
llamada Philomena.
Cecil Parris se largó a Brasil poco después de nacer su hijo, abandonando a su
mujer y a su hijo a su suerte. Philomena (Phyllis) se trasladó a trabajar a
Manchester, mientras que Philip fue criado en un barrio obrero de Dublín por su
abuela Sarah, a quien Phyllis sufragaba monetariamente con las ganancias de un
hotel que abrió en la ciudad mancuniana. En el colegio, Lynott tuvo que
soportar muchas veces el desprecio por su color más oscuro y aprender a
defenderse de estos vilipendios racistas. Cuando estaba en el instituto comenzó
a interesarse vivamente por la música y en los años 60 decidió crear con su
compañero estudiantil Brian Downey (nacido el 27 de enero de 1951 en Dublín,
Irlanda) una banda llamada The Black Eagles. Downey se ocupaba de la batería.
Más
tarde lo intentó con Kama Sutra e intimó con Gary
Moore (nacido el 4 de abril de 1952 en Belfast,
Irlanda del Norte), con quien entabló una longeva amistad y formó parte de la
banda en la que militaba, Skid
Row. Posteriormente, Lynott también lo intentó con otros proyectos
denominados Orphanage y Sugar Shack.
En
el año 1969, Phil, ya con su legendario bajo Fender Precision, conoció al
guitarrista Eric Bell (nacido el 3 de septiembre de 1947 en Belfast, Irlanda
del Norte), quien había tocado con un buen puñado de bandas, como The
Bluebeats, The Deltones, Shade of Blue, The Jaguars o, incluso, Them. Con
Bell, Lynott formó un power trío completado con las baquetas de su amigo
Downey. El nombre de Thin Lizzy fue propuesto por Bell al acordarse del
personaje de cómic Tin Lizzy El terceto comenzó a girar por pequeños locales
interprendo versiones de Jimi Hendrix, su principal influencia en estos
inicios.
Tras grabar el single “The Farmer” en Parlophone y en el mes de noviembre de
1970, tras un concierto, Frank Rogers, de la Decca, les hizo una oferta para
que grabaran en sus estudios. En ese concierto, el grupo estaba acompañando al
cantante Ditch Cassidy, a quien el gran sello seguía los pasos.
Lo primero que
publicaron Thin Lizzy en Decca fue el single “Things Ain’t Working Out Down On
The Farm”. Más tarde apareció su LP debut, “Thin Lizzy”
(1971), un apreciable disco producido por Scott English, muy infravalorado y
más relajado que sus LPs más conocidos en el que lo más importante de la banda
y de Lynott en particular, además del excepcional engranaje instrumental con
Jimi Hendrix como principal inspiración, era que su talento compositivo
arropaba a sus temas rock una impronta de sensibilidad, belleza, evocación y
romanticismo poco usual, con retazos folk, blues y progresivos. Entre sus temas
destacan: “Clifton Grange Hotel”,
“Dublin”, “Honesty Is No Excuse” o “Look What The Wind Blew In”. Este
lado poético, sensible y melódico, unido al endurecimiento de su sonido,
permaneció a lo largo de toda una carrera que en principio mostró al lírico
Lynott con un estado primerizo de timidez, acusado principalmente en escena, en
donde el guitarrista Eric Bell, mucho más veterano en la industria del disco,
se erigía como estrella. Esto cambió poco después. Después del EP “New Day” el
grupo regresó al formato álbum con “Shades Of a Blue Orphanage” (1972), disco
marcado por el apresuramiento en su composición y por el desenfocado trabajo de
producción de Nick Tauber. Rebota en los mismos concomitantes sonoros y líricos
que el anterior aunque en general los temas resultan de peor calidad. A pesar
de todo, cualquier cosa firmada por Lynott merece la pena y “Call The Police”,
“Baby Face”, “Buffalo Gal” o “Brought Down” son una buena muestra de cortes
aprovechables. Al margen de estos discos en este período, y con el nombre de
Funky Junction, Thin Lizzy grabaron un disco con versiones de Deep
Purple. Tras “Shades Of a Blue Orphanage” el grupo sufrió una importante
transformación.
Teloneando a Slade,
en ese momento uno de los grupos más importantes del Reino Unido, Chas
Chandler, exmiembro de los Animals y
representante y productor de Slade, encoraginó a la banda diciendo que
introdujeran mayor energía a sus conciertos, que incrementaran su presencia
escénica.
Phil,
en esos momentos ya con más confianza en sus actuaciones en directo, se despojó
de su timidez y se convirtió en el carismático frontman conocido por todos. Como
nuevo single, Lynott y la banda editaron el tema “Black Boys On The Corner”,
pero a su representante Ted Carroll le gustaba una versión que la banda hacía
de la canción tradicional “Whisky In The Jar”. A regañadientes terminaron
aceptando y el single logró sacar del anonimato a la formación irlandesa,
alcanzando en el Reino Unido el puesto número 6 en 1973.
En Irlanda llegó a lo más alto. “Vagabonds
Of The Western World” (1973) fue su
tercer LP para la Decca. Es un gran disco con temas como “Mama Nature Said”,
“The Hero And The Madman”, “Slow Blues” o su clásico “The Rocker”.
Tras
“Vagabonds Of The Western World”, y con la creciente importancia de Lynott en
el grupo, Eric Bell decidió dejar la formación, provocando otro cambio
significativo para el devenir de la banda. En principio abandonaron la Decca
para publicar en Mercury. Para reemplazar a Bell y tocar en directo se unió
brevemente al grupo Gary Moore, amigo de Phil. Moore se marchó poco después. Por
el grupo pasaron varios guitarristas, como Andy Gee, quien tocó con Pete
Bardens (miembro de Them y Camel),
y Johnny Du Can (ex Atomic
Rooster) hasta la definitiva incorporación de la pareja de guitarras
proporcionadas por el estadounidense Scott Gorham (nacido el 17 de marzo de
1951 en Glendale, California) y el escocés Brian “Robbo” Robertson (nacido el
12 de febrero de 1956 en Clarkston, Escocia), quienes transmutaron a la banda
hacia sonidos más hard rock que todavía no dominarían en “Night
Life” (1974), un disco producido por Ron
Nevison (colaborador de los Who,
Led Zeppelin o Bad
Company) en el que habían colado la guitarra de Gary Moore en la balada
“Still In Love With You”. El álbum ofrece un sonido aplacado con concesiones al
soul, al blues, al funk y acicalados arreglos. No es de sus trabajos más
esenciales pero las composiciones de Lynott deparan en varias ocasiones ese
“feeling” especial que él poseía y que lo hace bastante recomendable.
Gorham
y Robertson no se sintieron demasiado satisfechos con el álbum anterior. Para
resarcirse y demostrar su valía en las seis cuerdas apareció “Fighting” (1975),
LP producido en solitario por Phil que mostró el sonido que convirtió a Thin
Lizzy en héroes del hard rock con influencias de Led Zeppelin, Cream o Hendrix;
aunando un sonido rocoso de guitarras con la melodía y la sensibilidad de
Lynott para crear fenomenales composiciones. “Fighting”, con la preciosa “Wild
One”, “Suicide”, “Ballad Of a Hard Man” (compuesta por Gorham) o “Fighting My
Way Back”, se abre con una espléndida versión de Bob
Seger, “Rosalie”. Con Seger y la Bachman
Turner Ovedrive, la banda giró por los Estados Unidos en el año 1975.
Thin
Lizzy lograron su apogeo con la publicación de “Jailbreak” (1976), el álbum
definitivo del grupo en esta etapa. Producido por John Alcock, quien
previamente le había producido los discos a John Entwisle en solitario, el
álbum es un auténtico festín de gran rock comenzado por la espléndida canción
que da título al álbum y una de las mejores de su repertorio.
Lo tiene todo. Fuerza, imaginería, emocionalidad, melodía, intensidad, poesía,
rebeldía…
Todos sus temas resultan excelentes. Entre ellos, y junto a “Jailbreak”,
“Warrior”, “Romeo And The Lonely Girl”, “Cowboy Song”, “Emerald”, “Running
Back” o el megaclásico “The
Boys Are Back In Town”, el único tema que pegó con fuerza en los Estados
Unidos, son parte de un álbum esencial. “Johnny The Fox” (1976) apareció el
mismo año de “Jailbreak” y volvió a satisfacer con sus mismas constantes. Phil
sufrió hepatitis mientras estaba de gira y el grupo se refugió en el estudio
para grabar este trabajo con fenomenales cortes como “Don’t Believe a Word” o
“Borderline”. En el álbum, producido de nuevo por Alcock, colaboró como
invitado Phil
Collins aportando su experiencia en la percusión.
Después del disco, Robertson sufrió un accidente en su mano tras una pelea en
un pub, hecho que le impidió proseguir las actuaciones. Su reemplazo en directo
fue Gary Moore, quien de nuevo se prestó ante el requerimiento de Phil.
En
el año 1977 regresaron a los Estados Unidos para girar junto a Queen. Ese
año, el del nacimiento del punk británico, publicaron “Bad Reputation” (1977),
un magnífico y diverso trabajo producido nada más y nada menos que por Tony
Visconti, quien supo perfilar con prolijidad el buen material que tenía en sus
manos. Su mujer, la cantante Mary
Hopkin, aportó voces en la grabación del álbum. “Dancing
In The Moonlight”, “Killer Without a Cause”, “Southbound”, “Downtown Sundown”,
“Soldier Of Fortune” o la propia “Bad Reputation” son algunos de los momentos
más destacados de este LP. La exitosa trayectoria de Thin Lizzy, especialmente
en Gran Bretaña, se vio refrendada por el directo “Live And Dangerous” (1978),
uno de los mejores discos en vivo jamás grabados que contó otra vez con la
producción de Visconti. Mientras muchos rockeros de los 70 eran criticados por
los nuevos jóvenes punks de finales de década, Lynott era respetado y requerido
para colaboraciones. Así, llegó a formar con Paul Cook y Steve Jones (miembros
de Sex
Pistols) un grupo paralelo llamado Greedies
(denominado en principio The Greedy Bastards), con el que actuaron en
diferentes ocasiones en directo. En el año 1978 también se produjo la salida de
Robertson, muy afectado por el consumo de drogas y alcohol, al igual que Phil y
Scott, y en conflicto permanente con los otros miembros del grupo. El solícito
Gary Moore, quien también estuvo involucrado en el proyecto de The Greedy
Bastards, regresó al seno de la banda. Con Moore, y de nuevo con Visconti,
grabaron “Black Rose: A Rock Legend” (1979), otro disfrutable trabajo de rock
clásico que incluye temas como “Do Anything You Want”, “Got To Give It Up” o
“Waiting For The Alibi”. Huey Lewis aparece en este álbum tocando la armónica. Tras
el disco, Gary dejó el grupo y su reemplazo en principio fue Midge Ure, el
miembro de Ultravox.
Posteriormente llegaron Dave Flett y Snowy White (Pink
Floyd), con quien grabaron “Chinatown” (1980), disco, ya sin Visconti en la
producción y con el añadido de los teclados de Darren Wharton, que incidía en su
vibrante hard rock melódico. El álbum, con portada diseñada por Linda
McCartney, contiene buenos temas como “Killer On The Loose” o la propia
“Chinatown”. En 1980, Lynott, que contrajo matrimonio con Caroline Crowehter,
hija del presentador televisivo Leslie Crowther, también publicó su primer
disco como solista, “Solo In Soho” (1980), un apreciable trabajo en el que
colaboró Mark
Knopfler. Dos años después regresó en solitario con
“The Philip Lynott Album” (1982), álbum en el que Knopfler, además de colaborar
con su guitarra, se ocupó de la producción. El problema para Phil es que las
drogas fueron minando seriamente su salud y esto se vio reflejado en su trabajo
compositivo.
“Renegade” (1981), co-producido por Chris Tsangarides (Japan, Judas
Priest), fue uno de sus peores discos y en el que se
aprecia una mayor tendencia a conceptos heavys, con energía pero mayor
previsibilidad y menor creatividad en las composiciones. “Renegade” o
“Hollywood” todavía merecen una escucha.
Después
del álbum y la gira de apoyo al mismo, Snowy White abandonó la formación.
Su sustituto fue John Sykes, antiguo componente de Tygers of Pan Tangs que
brilla con la guitarra en “Thunder And Lightning” (1983), álbum con una viscosa
producción metalera en consonancia con la época ochentera que le valió para
cosechar el triunfo comercial gracias a piezas como el título homónimo, “The
Holy War” o “Cold Sweat”.
Tras este LP, una gira de despedida y el directo “Life” (1983), la banda dejó
de existir temporalmente. En el año 1984 Lynott, tras desecharse el proyecto
The Three Musketeers con Sykes y Downey, creó Grand Slam con el guitarrista
Laurence Archer, el bajista Dois Nagle, el batería Robbie Brennan y el teclista
Mark Stanway. Lamentablemente ninguna compañía discográfica confió en un Phil
muy tocado por su adicción a las drogas que le llevó a la muerte el 4 de enero
de 1986 tras una sobredosis. Tenía 36 años de edad. Está enterrado en el
cementerio de Saint Fintan, en Dublín.
El programa ofrece un paseo por las
arenas misteriosas del Bayú, llenando nuestros oídos también con el blues
urbano incluyendo los audaces metales de Nueva Orleans; el fervor de
palmas del góspel salpicado de ardientes arreglos de vientos posmodernos e
infundidos de jazz. Sin faltar la queja inquietante de las canciones de los
pobres y explotados por el duro trabajo rural y los tambores pulsantes que se
remontan a las raíces reales de todo.
Viajará a través del Pasaje del
Medio, será conducido por la autopista 49 desde Clarksdale a Nueva Orleans,
visitando bares e iglesias, hasta descansar en una silla crujiente de aquel
viejo porche.
La música de Heritage Blues Orchestra
es un testimonio inspirador del poder perdurable, las posibilidades y la
belleza ilimitada de la música afroamericana.
Fiel a la parte patrimonial de su
nombre, la Heritage Blues Orchestra, con sede en la ciudad de Nueva York, se
adhiere principalmente al material tradicional de blues, pero reforzada por una
sección de vientos similar a la de Nueva Orleans y una buena dosis de
sensibilidad tanto jazz como gospel, el grupo ha encontrado una manera de hacer
que ese material tradicional suene fresco y nuevo.
A
los 25 años abandonó su cotizada carrera de modelo para ser una de “Las Voces” del rock, el pop y el blues de los sesenta y
setenta.
Su nombre real es Grace Barnett Wing, y nació bajo el amparo de una
familia burguesa el 30 de octubre de 1939 en Illinois, Estados Unidos. Creció y
se educó en Palo Alto, California, allí su madre comenzó a darle clases de
canto.
Después
de terminar sus estudios en arte, se convirtió en modelo y se casó con Jerry
Slick con quien formó una banda junto con su cuñado, a la que nombraron «The
Great Society», pero desafortunadamente la agrupación no perduró mucho, ya que
Grace fue contactada por Jefferson Airplane para reemplazar a la vocalista
principal, ella sin dudarlo aceptó justo en el momento en que comenzaban las
grabaciones para el segundo álbum «Surrealistic Pillow», producción en la que
se hizo notar el sello característico de Grace, incluyendo la piezas como
«Somebody to Love» y «White Rabbit».
El
álbum fue un éxito contundente marcando un hito en la era del rock ácido, y
Grace se convirtió en el centro de atención de la banda y con esto, una seguidilla de escándalos y un torbellino de abusos de todo tipo por parte de “La reina del
ácido”.
Slick
era el símbolo del idealismo de los excesos embriagadores de los 60’s en
Estados Unidos, no por nada se autoproclamaba «la voz que comenzaba mil viajes»
(haciendo referencia al estado que provoca el consumo de alucinógenos). Tenía
todo el estilo de vida del rock and roll, intentando todo tipo de narcóticos y
asegurando que ninguna de esas sustancias podía afectarla.
Sus
presentaciones irradiaban energía y poder, nadie podía negar el talento y
belleza de Grace, y mucho menos cuando cantaba a todo pulmón los que ahora
conocemos como himnos del movimiento psicodélico. Presentaciones donde aparecía
cómodamente desnuda, maldecir en televisión abierta, arrestos, amistades llenas
de estupefacientes y alcohol con Janis Joplin y Jerry
García, amoríos con Jim
Morrison y hasta un plan fallido para drogar al entonces presidente de
E.U.A., Richard Nixon, con el fin de hacerlo entrar en razón sobre sus
decisiones referentes a la guerra de Vietnam; todo era parte de la ya conocida
errática esencia de Grace.
La
fama de Jefferson
Airplane era extraordinaria, pero con siete álbumes de estudio y con
la salida de la mayoría de los miembros originales y evidentes problemas de
excesos, la agrupación se desintegró de manera oficial en 1972, dando lugar a
proyectos alternos encabezados por Grace, primero «Jefferson Starship» y
después «Starship», con los cuales obtuvo éxitos menores. Durante este tiempo,
Slick presenció un declive personal, empezando por el divorcio, la muerte de su
mejor amiga, Janis
Joplin y para culminar, un fatal accidente automovilístico que casi le
arrebata la vida.
Tras
tanto caos y confusión, en 1988 se retiró por completo del negocio de la
música, dedicándose por completo al arte, donde le rinde homenaje con sus
pinturas a Hendrix,
Joplin y García, entre otras cosas de su interés. Finalmente rehabilitada y desde entonces, Grace vive una vida más que tranquila y saludable, y sigue
expresándose mediante las artes visuales, afirmando que es básicamente lo mismo
que el rock and roll: poderoso, divertido, impactante y sobre todo, simple.
La
personalidad vibrante de Slick continua siendo admirada por muchos, ya que fue
de las primeras rockeras en alzar la voz y decir cualquier cosa que cruzaba por
su mente, de una manera ingeniosa pero sarcástica. Su talento estaba envuelto
en el cuerpo de una hermosa mujer, y al darlo a conocer dejó atónito al mundo
entero, generando una resonancia que sigue y seguirá con el transcurso de los
años.
Fueron 20 años vertiginosos,
en donde se incluye su memorable actuación en Woodstock. En el 71 fue madre de China
Kantner, hoy actriz, fruto de su relación con Paul Kantner, guitarrista,
cantante y compositor de Jefferson Airplane.
Reunión
1989 Jefferson Airplane - Última juntada de la mítica banda...
Promediando la década del
ochenta, a poco de cumplir los cincuenta y definitivamente alejada de los
excesos se permitió con Starship algunos éxitos comerciales los cuales le reportaron
una formidable taquilla, como Will Built this City y el aún vigente Nothing's
Gonna Stop Us Now, banda musical de la película Mannequin, video en el también
actúa mostrando no solo su dominante hermosura, sino su impecable y poderosa
voz. En 1989 se retira definitivamente.
La
banda estuvo liderada por el guitarristaMike Bloomfield,
el teclistaBarry Goldberg y
el baterista Buddy Miles y en ella militaron varios músicos muy
conocidos en el mundo del rock de finales de los 60, como el cantanteNick
Gravenites o el bajistaHarvey
Brooks.
Bloomfield
formó The Electric Flag a finales de 1966,
tras dejar la banda de blues de Paul Butterfield,
Esto fue anterior
a Blood, Sweat & Tears y Chicago, como
una especie de intento de un sonido de rock de big band con sonidos psicodelia, soul y blues de finales de los 60. Se caracterizaron por el uso de
ensambles de bronces.
Bloomfield
y Goldberg se llevaron el grupo a San Francisco,
e inmediatamente comenzaron a trabajar en su primer proyecto: la banda sonora del film The Trip, una película
sobre las experiencias con el LSD,
protagonizada por Peter Fonda, escrita
por Jack Nicholson y
dirigida por Roger Corman.
Este
es uno de los mejores discos lanzados a los finales de los sesentas. Jimi
Hendrix solía juntarse a tocar con ellos en sesiones de improvisación.
La
banda actuó en el Monterey Pop Festival,
en 1967, el primero de los macro-festivales de pop,
tras lo cual grabaron para Columbia Records.
El álbum se
publicó en marzo de 1968, tras seis meses de grabación. Fue uno de los primeros
discos pop en mezclar música con samplers.
Para esta fecha, el batería Buddy Miles se había convertido en la fuerza
dominante en la dirección musical de la banda. El repertorio del grupo incluía
numerosas versiones de temas clásicos del blues, cantados por el propio Miles,
junto con una docena de temas propios, escritos en su mayoría por el cantante
Nick Gravenites.
A
pesar del relativo éxito del disco, en junio de 1968, Bloomfield abandona el
grupo, exhausto por el insomnio que padecía. Buddy Miles, se convirtió de
facto en el nuevo líder del grupo.
Sin embargo, aunque la banda intentó mantenerse bajo la dirección de Miles, The
Electric Flag se disolvió en 1969.
Conflictos de personalidad, diferencias estéticas, y una serie de problemas con
las drogas, acabaron con la banda.
El
ultimo video registrado durante el Festival de Monterey 1967 confirma que Mike
Bloomfield fue uno de los mejores guitarristas del género, no apreciado
totalmente en su inmenso talento o injustamente olvidado.
NICK GRAVENITES VOCALS, GUITAR
MIKE BLOOMFIELD GUITAR
BUDDY MILES DRUMS
BARRY GOLDBERG KEYBOARDS
HARVEY BROOKS BASS OTHERS:
HERBIE RICH - ORGAN, BARITONE SAXOPHONE
MICHAEL FONFARA - KEYBOARDS MARCUS DOUBLEDAY - TRUMPET
