El escritor y su gato compartiendo soledades

El escritor y su gato compartiendo soledades
Los infiernos del escritor

jueves, 22 de diciembre de 2022

Maestros del Blues Craig Erickson

 



Craig Erickson es un cantante, guitarrista, multi-instrumentista, además de escritor y productor. Criado en el corazón del medio oeste, su música en una mezcla estilística con base en el blues fusionados con  elementos del rock, jazz, funk, reggae, acústica y más. Está marcadamente influenciado por Hendrix, Beck, Eric Johnson, Trout, SRV, Carlton, entre otros.








Con más de 20 álbumes en solitario, docenas de apariciones especiales y múltiples proyectos de colaboración, tocando con músicos de la talla de Glenn Hughes, Eric Gales, Rob Wasserman, Black Oak Arkansas, Darrell Mansfield, etc. Craig Erickson se ganó su lugar en el escenario de los mejores eventos de blues y rock de la historia.  Sus nueve giras europeas, y su participación en los eventos del género más importantes en los EE. UU ratifican lo mencionado. En el presente Craig Erickson formó Sky Train para iniciar un capítulo nuevo y emocionante en su larga y diversa carrera musical. La banda es un poderoso trío cuya base es el estilo clásico de los setenta.

Más sobre Erickson en:

https://www.facebook.com/CraigEricksonMusic/

 

 





viernes, 16 de diciembre de 2022

Maestros del Blues… Sonny Landreth por Javier "Paco" Miró

 


Landreth nació en Canton, Misisipi, y creció en Lafayette, Louisiana. Durante las décadas de 1950 y 1960 entró en contacto con los artistas de blues, jazz, cajún y zydeco cuyos estilos influyeron en su música. Landreth comenzó a tocar con la banda de Clifton Chenier, siendo el único miembro blanco del grupo. Tras el fallecimiento de Chenier, tocó en la banda de John Hiatt y posteriormente con John Mayall and the Bluesbreakers. El cantante y compositor de música country Vince Gill logró inspiración en Landreth para componer su hit "Tell Me Lover". En 1998, se unió al proyecto "Begegnungen” (Encuentro) del músico alemán Peter Maffay. Los treinta conciertos que dieron quedaron documentados en el álbum en directo Begegnungen Live, publicado a principios de 1999. En este proyecto también participó el guitarrista Keb' Mo'. Landreth también ha formado parte del acompañamiento de Jimmy Buffett, tanto en grabaciones como en giras de actuaciones. Participó en el Crossroads Guitar Festival en las ediciones de 2004, 2007, 2010 y 2013. En 2014, colaboró como invitado en el álbum de Eli Cook, Primitive Son. 





Toca con el slide en su dedo meñique, para que sus otros dedos tengan más espacio. También es conocido por su técnica única de mano derecha, que consiste en golpear, slap y tocar cuerdas, usando todos los dedos de su mano derecha. Ha trabajado constantemente durante décadas y ha acumulado seguidores entre sus fanáticos y compañeros. Eric Clapton ha dicho que es "probablemente el músico más subestimado del planeta y también probablemente uno de los más avanzados”.

 






Por Javier Paco Miró

jueves, 8 de diciembre de 2022

Maestros del Blues... Larry Carlton, Robben Ford en concierto

 "Autour du Blues" New Morning Paris



Larry Carlton

Robben Ford

Denis Lable (guitare)

Claude Engel (Guitare)

Michael Jones (Guitare)

Patrick Verbaeke (Guitare+vocals)

Gérard Bikialo (Keyboard)

Slim Batteux (Keyboard+vocals)

Pascal Bako Michaelian (harmonic)

Bernard Paganotti (Bass et Contrebasse)

Salmieri (Drums)

Francis Cabrel

miércoles, 30 de noviembre de 2022

Maestros del Blues Andy Timmons por Javier Paco Miró

 

 

Nacido el 26 de julio de 1963 Andy Timmons es un guitarrista estadounidense que ha tocado en bandas como Danger Danger y Pawn Kings. Ha grabado varios álbumes como solista y ha trabajado como guitarrista de sesión.

Como guitarrista de la banda de pop-metal Danger Danger, recorrió el mundo abriendo para Kiss y Alice Cooper, vendió más de un millón de discos en todo el mundo y tuvo dos videos en el # 1 de MTV, además de acumular una discografía que incluye siete lanzamientos en solitario que van desde ardientes instrumentales de guitarra.

También se destaca por su colaboración en estudio con una leyenda de la batería como Simon Phillips o un CD en vivo con Olivia Newton-John (Andy ha sido su director musical/guitarrista en varias giras por U.S.), dos internacionalmente aclamados CD por Kip Winger, sesiones de grabación para Paula AbdulPaul Stanley, y una incontable cantidad de composiciones para radio y televisión.




También ha tocado con héroes de la guitarra como Steve Vai y Joe Satriani (como invitado en sus giras G3 en Dallas), Eric JohnsonSteve MorseMike Stern, Ace Frehley, Ted NugentPaul Gilbert y Pierre Bensusan así como con algunas de sus estrellas favoritas de 1960 cantando con the Beach Boys, Lesley Gore y Gordon Waller.

La decisión de dedicarse a la escena del estudio lo llevó a los ámbitos académicos musicales más serios. Así estudió guitarra clásica durante dos años antes de mudarse a Miami para profundizar guitarra de jazz en la Universidad de Miami (en gran parte porque los Dixie Dregs, Pat Metheny y Jaco Pastorius habían ido allí). Finalmente terminó en Dallas, donde fue muy afortunado de poner un pie en la puerta de una muy buena escena de estudio. En 1988, se formó la banda de Andy Timmons y rápidamente ganó seguidores en Texas.





Alrededor de ese tiempo, los artistas de grabación de Epic Danger Danger lo reclutaron para terminar su disco debut, filmar varios videos y comenzar una gira. Después de 4 años en Nueva York con Danger Danger, Andy regresó a Dallas en 1993 para reanudar su carrera de estudio y la del grupo Andy Timmons Band. Su primer lanzamiento en solitario, Ear X-tacy, fue lanzado en 1994 con gran éxito de crítica, seguido de Ear X-tacy 2 de 1997. 

Luego lanzó Pawn Kings (1997), Orange Swirl (1998), The Spoken and the Unspoken (1999) y And-thology 1 & 2 (2000). 




En 2001 Andy firmó con Favored Nations y lanzó su primer disco internacional, That Was Then, This is Now, una complicación de los dos primeros discos de X-tacy y cinco nuevas canciones. Resolution (2006) marca el primer lanzamiento completo de Andy para Favored Nations.

También se ha convertido un importante referente del instrumento brindando clínicas sobre guitarra para la marca Ibanez Guitars, recorriendo el mundo en su nombre.






Por Javier Paco Miró


miércoles, 23 de noviembre de 2022

Maestros del Blues… el mítico bajista Phil Lynott y los Thin Lizzy

 


Sin duda, la banda irlandesa Thin Lizzy es una de las más importante de los años 70 y por extensión de la historia, y Lynott uno de los mejores compositores que ha existido con textos originados por una rebeldía nutrida en las calles dublinesas y de una sensibilidad poética de base romántica que le distancia mucho, y para bien, de la mayoría de sus colegas.

Autenticidad, acordes contundentes, estribillos-himno, extraordinarios riffs, intensos ritmos, sentido melódico, notorios solos y estupendas letras conforman algunas de las particularidades de este fenomenal grupo liderado por Phil Lynott, uno de los más subestimados talentos aparecidos en este, por lo general, artificioso mundillo musical con influencias de la Jimi Hendrix ExperienceLed ZeppelinCream o Van Morrison.

Phil, nacido el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Birmingham (Inglaterra), era hijo de un brasileño negro llamado Cecil Parris y de una irlandesa blanca llamada Philomena.






Cecil Parris se largó a Brasil poco después de nacer su hijo, abandonando a su mujer y a su hijo a su suerte. Philomena (Phyllis) se trasladó a trabajar a Manchester, mientras que Philip fue criado en un barrio obrero de Dublín por su abuela Sarah, a quien Phyllis sufragaba monetariamente con las ganancias de un hotel que abrió en la ciudad mancuniana. En el colegio, Lynott tuvo que soportar muchas veces el desprecio por su color más oscuro y aprender a defenderse de estos vilipendios racistas. Cuando estaba en el instituto comenzó a interesarse vivamente por la música y en los años 60 decidió crear con su compañero estudiantil Brian Downey (nacido el 27 de enero de 1951 en Dublín, Irlanda) una banda llamada The Black Eagles. Downey se ocupaba de la batería.

Más tarde lo intentó con Kama Sutra e intimó con Gary Moore (nacido el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del Norte), con quien entabló una longeva amistad y formó parte de la banda en la que militaba, Skid Row. Posteriormente, Lynott también lo intentó con otros proyectos denominados Orphanage y Sugar Shack.

En el año 1969, Phil, ya con su legendario bajo Fender Precision, conoció al guitarrista Eric Bell (nacido el 3 de septiembre de 1947 en Belfast, Irlanda del Norte), quien había tocado con un buen puñado de bandas, como The Bluebeats, The Deltones, Shade of Blue, The Jaguars o, incluso, Them. Con Bell, Lynott formó un power trío completado con las baquetas de su amigo Downey. El nombre de Thin Lizzy fue propuesto por Bell al acordarse del personaje de cómic Tin Lizzy El terceto comenzó a girar por pequeños locales interprendo versiones de Jimi Hendrix, su principal influencia en estos inicios.
Tras grabar el single “The Farmer” en Parlophone y en el mes de noviembre de 1970, tras un concierto, Frank Rogers, de la Decca, les hizo una oferta para que grabaran en sus estudios. En ese concierto, el grupo estaba acompañando al cantante Ditch Cassidy, a quien el gran sello seguía los pasos.




Lo primero que publicaron Thin Lizzy en Decca fue el single “Things Ain’t Working Out Down On The Farm”. Más tarde apareció su LP debut, “Thin Lizzy” (1971), un apreciable disco producido por Scott English, muy infravalorado y más relajado que sus LPs más conocidos en el que lo más importante de la banda y de Lynott en particular, además del excepcional engranaje instrumental con Jimi Hendrix como principal inspiración, era que su talento compositivo arropaba a sus temas rock una impronta de sensibilidad, belleza, evocación y romanticismo poco usual, con retazos folk, blues y progresivos.
Entre sus temas destacan:  “Clifton Grange Hotel”, “Dublin”, “Honesty Is No Excuse” o “Look What The Wind Blew In”. Este lado poético, sensible y melódico, unido al endurecimiento de su sonido, permaneció a lo largo de toda una carrera que en principio mostró al lírico Lynott con un estado primerizo de timidez, acusado principalmente en escena, en donde el guitarrista Eric Bell, mucho más veterano en la industria del disco, se erigía como estrella. Esto cambió poco después. Después del EP “New Day” el grupo regresó al formato álbum con “Shades Of a Blue Orphanage” (1972), disco marcado por el apresuramiento en su composición y por el desenfocado trabajo de producción de Nick Tauber. Rebota en los mismos concomitantes sonoros y líricos que el anterior aunque en general los temas resultan de peor calidad. A pesar de todo, cualquier cosa firmada por Lynott merece la pena y “Call The Police”, “Baby Face”, “Buffalo Gal” o “Brought Down” son una buena muestra de cortes aprovechables. Al margen de estos discos en este período, y con el nombre de Funky Junction, Thin Lizzy grabaron un disco con versiones de Deep Purple. Tras “Shades Of a Blue Orphanage” el grupo sufrió una importante transformación.





Teloneando a Slade, en ese momento uno de los grupos más importantes del Reino Unido, Chas Chandler, exmiembro de los Animals y representante y productor de Slade, encoraginó a la banda diciendo que introdujeran mayor energía a sus conciertos, que incrementaran su presencia escénica.

Phil, en esos momentos ya con más confianza en sus actuaciones en directo, se despojó de su timidez y se convirtió en el carismático frontman conocido por todos. Como nuevo single, Lynott y la banda editaron el tema “Black Boys On The Corner”, pero a su representante Ted Carroll le gustaba una versión que la banda hacía de la canción tradicional “Whisky In The Jar”. A regañadientes terminaron aceptando y el single logró sacar del anonimato a la formación irlandesa, alcanzando en el Reino Unido el puesto número 6 en 1973.
En Irlanda llegó a lo más alto.
“Vagabonds Of The Western World” (1973) fue su tercer LP para la Decca. Es un gran disco con temas como “Mama Nature Said”, “The Hero And The Madman”, “Slow Blues” o su clásico “The Rocker”.

Tras “Vagabonds Of The Western World”, y con la creciente importancia de Lynott en el grupo, Eric Bell decidió dejar la formación, provocando otro cambio significativo para el devenir de la banda. En principio abandonaron la Decca para publicar en Mercury. Para reemplazar a Bell y tocar en directo se unió brevemente al grupo Gary Moore, amigo de Phil. Moore se marchó poco después. Por el grupo pasaron varios guitarristas, como Andy Gee, quien tocó con Pete Bardens (miembro de Them y Camel), y Johnny Du Can (ex Atomic Rooster) hasta la definitiva incorporación de la pareja de guitarras proporcionadas por el estadounidense Scott Gorham (nacido el 17 de marzo de 1951 en Glendale, California) y el escocés Brian “Robbo” Robertson (nacido el 12 de febrero de 1956 en Clarkston, Escocia), quienes transmutaron a la banda hacia sonidos más hard rock que todavía no dominarían en “Night Life” (1974), un disco producido por Ron Nevison (colaborador de los Who, Led Zeppelin o Bad Company) en el que habían colado la guitarra de Gary Moore en la balada “Still In Love With You”. El álbum ofrece un sonido aplacado con concesiones al soul, al blues, al funk y acicalados arreglos. No es de sus trabajos más esenciales pero las composiciones de Lynott deparan en varias ocasiones ese “feeling” especial que él poseía y que lo hace bastante recomendable.




Gorham y Robertson no se sintieron demasiado satisfechos con el álbum anterior. Para resarcirse y demostrar su valía en las seis cuerdas apareció “Fighting” (1975), LP producido en solitario por Phil que mostró el sonido que convirtió a Thin Lizzy en héroes del hard rock con influencias de Led Zeppelin, Cream o Hendrix; aunando un sonido rocoso de guitarras con la melodía y la sensibilidad de Lynott para crear fenomenales composiciones. “Fighting”, con la preciosa “Wild One”, “Suicide”, “Ballad Of a Hard Man” (compuesta por Gorham) o “Fighting My Way Back”, se abre con una espléndida versión de Bob Seger, “Rosalie”. Con Seger y la Bachman Turner Ovedrive, la banda giró por los Estados Unidos en el año 1975.

Thin Lizzy lograron su apogeo con la publicación de “Jailbreak” (1976), el álbum definitivo del grupo en esta etapa. Producido por John Alcock, quien previamente le había producido los discos a John Entwisle en solitario, el álbum es un auténtico festín de gran rock comenzado por la espléndida canción que da título al álbum y una de las mejores de su repertorio.




Lo tiene todo. Fuerza, imaginería, emocionalidad, melodía, intensidad, poesía, rebeldía…
Todos sus temas resultan excelentes. Entre ellos, y junto a “Jailbreak”, “Warrior”, “Romeo And The Lonely Girl”, “Cowboy Song”, “Emerald”, “Running Back” o el megaclásico “The Boys Are Back In Town”, el único tema que pegó con fuerza en los Estados Unidos, son parte de un álbum esencial. “Johnny The Fox” (1976) apareció el mismo año de “Jailbreak” y volvió a satisfacer con sus mismas constantes. Phil sufrió hepatitis mientras estaba de gira y el grupo se refugió en el estudio para grabar este trabajo con fenomenales cortes como “Don’t Believe a Word” o “Borderline”. En el álbum, producido de nuevo por Alcock, colaboró como invitado 
Phil Collins aportando su experiencia en la percusión. Después del disco, Robertson sufrió un accidente en su mano tras una pelea en un pub, hecho que le impidió proseguir las actuaciones. Su reemplazo en directo fue Gary Moore, quien de nuevo se prestó ante el requerimiento de Phil.




En el año 1977 regresaron a los Estados Unidos para girar junto a Queen. Ese año, el del nacimiento del punk británico, publicaron “Bad Reputation” (1977), un magnífico y diverso trabajo producido nada más y nada menos que por Tony Visconti, quien supo perfilar con prolijidad el buen material que tenía en sus manos. Su mujer, la cantante Mary Hopkin, aportó voces en la grabación del álbum. “Dancing In The Moonlight”, “Killer Without a Cause”, “Southbound”, “Downtown Sundown”, “Soldier Of Fortune” o la propia “Bad Reputation” son algunos de los momentos más destacados de este LP. La exitosa trayectoria de Thin Lizzy, especialmente en Gran Bretaña, se vio refrendada por el directo “Live And Dangerous” (1978), uno de los mejores discos en vivo jamás grabados que contó otra vez con la producción de Visconti. Mientras muchos rockeros de los 70 eran criticados por los nuevos jóvenes punks de finales de década, Lynott era respetado y requerido para colaboraciones. Así, llegó a formar con Paul Cook y Steve Jones (miembros de Sex Pistols) un grupo paralelo llamado Greedies (denominado en principio The Greedy Bastards), con el que actuaron en diferentes ocasiones en directo. En el año 1978 también se produjo la salida de Robertson, muy afectado por el consumo de drogas y alcohol, al igual que Phil y Scott, y en conflicto permanente con los otros miembros del grupo. El solícito Gary Moore, quien también estuvo involucrado en el proyecto de The Greedy Bastards, regresó al seno de la banda. Con Moore, y de nuevo con Visconti, grabaron “Black Rose: A Rock Legend” (1979), otro disfrutable trabajo de rock clásico que incluye temas como “Do Anything You Want”, “Got To Give It Up” o “Waiting For The Alibi”. Huey Lewis aparece en este álbum tocando la armónica. Tras el disco, Gary dejó el grupo y su reemplazo en principio fue Midge Ure, el miembro de Ultravox. Posteriormente llegaron Dave Flett y Snowy White (Pink Floyd), con quien grabaron “Chinatown” (1980), disco, ya sin Visconti en la producción y con el añadido de los teclados de Darren Wharton, que incidía en su vibrante hard rock melódico. El álbum, con portada diseñada por Linda McCartney, contiene buenos temas como “Killer On The Loose” o la propia “Chinatown”. En 1980, Lynott, que contrajo matrimonio con Caroline Crowehter, hija del presentador televisivo Leslie Crowther, también publicó su primer disco como solista, “Solo In Soho” (1980), un apreciable trabajo en el que colaboró Mark Knopfler. Dos años después regresó en solitario con “The Philip Lynott Album” (1982), álbum en el que Knopfler, además de colaborar con su guitarra, se ocupó de la producción. El problema para Phil es que las drogas fueron minando seriamente su salud y esto se vio reflejado en su trabajo compositivo.
“Renegade” (1981), co-producido por Chris Tsangarides (Japan, 
Judas Priest), fue uno de sus peores discos y en el que se aprecia una mayor tendencia a conceptos heavys, con energía pero mayor previsibilidad y menor creatividad en las composiciones. “Renegade” o “Hollywood” todavía merecen una escucha.



 

 

Después del álbum y la gira de apoyo al mismo, Snowy White abandonó la formación.
Su sustituto fue John Sykes, antiguo componente de Tygers of Pan Tangs que brilla con la guitarra en “Thunder And Lightning” (1983), álbum con una viscosa producción metalera en consonancia con la época ochentera que le valió para cosechar el triunfo comercial gracias a piezas como el título homónimo, “The Holy War” o “Cold Sweat”.




Tras este LP, una gira de despedida y el directo “Life” (1983), la banda dejó de existir temporalmente. En el año 1984 Lynott, tras desecharse el proyecto The Three Musketeers con Sykes y Downey, creó Grand Slam con el guitarrista Laurence Archer, el bajista Dois Nagle, el batería Robbie Brennan y el teclista Mark Stanway. Lamentablemente ninguna compañía discográfica confió en un Phil muy tocado por su adicción a las drogas que le llevó a la muerte el 4 de enero de 1986 tras una sobredosis. Tenía 36 años de edad. Está enterrado en el cementerio de Saint Fintan, en Dublín.

 

 

Fuente: AlohaCriticón. Cine, música y literatura

https://www.alohacriticon.com/musica/grupos-y-solistas/thin-lizzy/

 

 

miércoles, 16 de noviembre de 2022

Maestros del Blues… Heritage Blues Orchestra.. por Javier Paco Miró

 

El programa ofrece un paseo por las arenas misteriosas del Bayú, llenando nuestros oídos también con el blues urbano incluyendo  los audaces metales de Nueva Orleans; el fervor de palmas del góspel salpicado de ardientes arreglos de vientos posmodernos e infundidos de jazz. Sin faltar la queja inquietante de las canciones de los pobres y explotados por el duro trabajo rural y los tambores pulsantes que se remontan a las raíces reales de todo.



Viajará a través del Pasaje del Medio, será conducido por la autopista 49 desde Clarksdale a Nueva Orleans, visitando bares e iglesias, hasta descansar en una silla crujiente de aquel viejo porche.


La música de Heritage Blues Orchestra es un testimonio inspirador del poder perdurable, las posibilidades y la belleza ilimitada de la música afroamericana.




Fiel a la parte patrimonial de su nombre, la Heritage Blues Orchestra, con sede en la ciudad de Nueva York, se adhiere principalmente al material tradicional de blues, pero reforzada por una sección de vientos similar a la de Nueva Orleans y una buena dosis de sensibilidad tanto jazz como gospel, el grupo ha encontrado una manera de hacer que ese material tradicional suene fresco y nuevo.




El núcleo de la banda es el trío de: 

Junior Mack (guitarra), 

Bill Sims Jr.  (guitarra),

y  la hija de  Sims, Chaney Sims, los tres comparten la voz.


La parte de "orquesta" del grupo consiste en: 

Vincent Bucher (armónica),

Kenny Smith (batería)

y una sección de trompas: 

Bruno Wilhelm (saxofón tenor), 

Kenny Rampton (trompeta), 

Steve Wiseman (trompeta) 

Clark Gayton ( trombón, tuba y sousáfono).







Por Javier Paco Miró


jueves, 10 de noviembre de 2022

Maestres del Blues…. La leyenda de Grace Slick, la Diosa del Rock and Roll

 



A los 25 años abandonó su cotizada carrera de modelo para ser una de “Las Voces” del rock, el pop y el blues de los sesenta y setenta. 

Su nombre real es Grace Barnett Wing, y nació bajo el amparo de una familia burguesa el 30 de octubre de 1939 en Illinois, Estados Unidos. Creció y se educó en Palo Alto, California, allí su madre comenzó a darle clases de canto.


Después de terminar sus estudios en arte, se convirtió en modelo y se casó con Jerry Slick con quien formó una banda junto con su cuñado, a la que nombraron «The Great Society», pero desafortunadamente la agrupación no perduró mucho, ya que Grace fue contactada por Jefferson Airplane para reemplazar a la vocalista principal, ella sin dudarlo aceptó justo en el momento en que comenzaban las grabaciones para el segundo álbum «Surrealistic Pillow», producción en la que se hizo notar el sello característico de Grace, incluyendo la piezas como «Somebody to Love» y «White Rabbit».

El álbum fue un éxito contundente marcando un hito en la era del rock ácido, y Grace se convirtió en el centro de atención de la banda y con esto, una seguidilla de escándalos y un torbellino de abusos de todo tipo por parte de “La reina del ácido”.




Slick era el símbolo del idealismo de los excesos embriagadores de los 60’s en Estados Unidos, no por nada se autoproclamaba «la voz que comenzaba mil viajes» (haciendo referencia al estado que provoca el consumo de alucinógenos). Tenía todo el estilo de vida del rock and roll, intentando todo tipo de narcóticos y asegurando que ninguna de esas sustancias podía afectarla.


Sus presentaciones irradiaban energía y poder, nadie podía negar el talento y belleza de Grace, y mucho menos cuando cantaba a todo pulmón los que ahora conocemos como himnos del movimiento psicodélico. Presentaciones donde aparecía cómodamente desnuda, maldecir en televisión abierta, arrestos, amistades llenas de estupefacientes y alcohol con Janis Joplin y Jerry García, amoríos con Jim Morrison y hasta un plan fallido para drogar al entonces presidente de E.U.A., Richard Nixon, con el fin de hacerlo entrar en razón sobre sus decisiones referentes a la guerra de Vietnam; todo era parte de la ya conocida errática esencia de Grace.


La fama de Jefferson Airplane era extraordinaria, pero con siete álbumes de estudio y con la salida de la mayoría de los miembros originales y evidentes problemas de excesos, la agrupación se desintegró de manera oficial en 1972, dando lugar a proyectos alternos encabezados por Grace, primero «Jefferson Starship» y después «Starship», con los cuales obtuvo éxitos menores. Durante este tiempo, Slick presenció un declive personal, empezando por el divorcio, la muerte de su mejor amiga, Janis Joplin y para culminar, un fatal accidente automovilístico que casi le arrebata la vida.



Tras tanto caos y confusión, en 1988 se retiró por completo del negocio de la música, dedicándose por completo al arte, donde le rinde homenaje con sus pinturas a Hendrix, Joplin y García, entre otras cosas de su interés. Finalmente rehabilitada y desde entonces, Grace vive una vida más que tranquila y saludable, y sigue expresándose mediante las artes visuales, afirmando que es básicamente lo mismo que el rock and roll: poderoso, divertido, impactante y sobre todo, simple.


La personalidad vibrante de Slick continua siendo admirada por muchos, ya que fue de las primeras rockeras en alzar la voz y decir cualquier cosa que cruzaba por su mente, de una manera ingeniosa pero sarcástica. Su talento estaba envuelto en el cuerpo de una hermosa mujer, y al darlo a conocer dejó atónito al mundo entero, generando una resonancia que sigue y seguirá con el transcurso de los años.

 

 

 



Fueron 20 años vertiginosos, en donde se incluye su memorable actuación en Woodstock. En el 71 fue madre de China Kantner, hoy actriz, fruto de su relación con Paul Kantner, guitarrista, cantante y compositor de Jefferson Airplane.



Reunión 1989 Jefferson Airplane - Última juntada de la mítica banda... 


Promediando la década del ochenta, a poco de cumplir los cincuenta y definitivamente alejada de los excesos se permitió con Starship algunos éxitos comerciales los cuales le reportaron una formidable taquilla, como Will Built this City y el aún vigente Nothing's Gonna Stop Us Now, banda musical de la película Mannequin, video en el también actúa mostrando no solo su dominante hermosura, sino su impecable y poderosa voz. En 1989 se retira definitivamente.







Fuente. https://monterreyrock.com/

Link de Origen: AQUÍ